Léthé

Métal, oxydation de cuivre, verre soufflé
300 × 370 × 100 cm

L'œuvre porte le nom de Léthé, emprunté à la mythologie grecque : le fleuve des Enfers dont les eaux avaient la propriété de faire oublier leur passé terrestre aux âmes des morts. Cette sculpture parle donc d'oubli.

Les pièces d'Alexia Chevrollier sont souvent réalisées à partir de matières brutes. Telle une metteuse en scène de matières, l'artiste cherche à ce qu'elles s'expriment. La coque de l'embarcation, qui reprend les contours du coularin des marais de Montferrand, est réalisée en acier brut. L'artiste a ensuite élaboré et appliqué un jus de rouille lui donnant l'apparence d'un objet oublié, usé par le temps. La barque est soutenue par trois pieds massifs en acier, recouverts de jus d'oxyde de cuivre. Si l'emploi d'extractions de rouille ou de cuivre illustre la dimension picturale de l'œuvre, c'est aussi une manière d'accélérer les effets du temps : l'artiste reproduit chimiquement l'aspect d'un vert-de-gris obtenu naturellement par l'air humide au fil des ans.

Des formes galbées en verre soufflé surgissent du centre de la barque et s'écoulent le long des parois rubigineuses. Le verre translucide ondule, se métamorphose ; on pourrait croire qu'il est liquide. En collaboration avec un maître verrier, l'artiste a confectionné ces pièces uniques qui traduisent indirectement sa représentation de l'eau : fragile et précieuse.

Initialement pensée pour flotter au milieu de l'étang de la commune, l'œuvre a finalement été élevée à trois mètres du sol, comme en attente du retour de l'eau — ou anticipant sa montée. Cette énigmatique embarcation pourrait-elle un jour retrouver les eaux des marais ? Si l'évocation du coularin se veut mémorielle, c'est d'autant plus pour questionner notre relation au souvenir et aux enjeux écologiques. Comment résister à la disparition ? À l'heure où l'hyper-vitesse caractérise notre société, où l'information coule en continu, où la production est dépassée par la surproduction et où l'individualisme règne, qu'en est-il de la transmission ? Avec Léthé, Alexia Chevrollier questionne notre rapport au passé, propose de prendre le temps d'observer en conscience, et invite à agir sur nos lendemains.

Si l'élévation de l'œuvre contrarie l'horizontalité et la mollesse du paysage alentour, elle renforce surtout un paradoxe : le beau dans ce qu'il a d'abîmé et d'intimidant. Fragiles, les surfaces ocres ou vert-de-gris sont le résultat d'un lent processus d'oxydation, hasardeux et toujours en cours. En patiente alchimiste, Alexia Chevrollier emploie des matériaux hydrophobes, y badigeonne des couches d'eau salée comme elle superposerait les histoires recueillies. Ainsi altéré, le métal se fragilise, s'effrite. La matière se métamorphose au gré du temps.
— Extrait du texte commandé à Alexia Abed (collaboration avec Jeunes critiques d'art)

parle-moi / parle-moi / parle-moi (de ton cœur)

Ensemble de 4 sculptures (Gakyid,  Zosma, Alioth et Stella)
Acier thermolaqué, résine, cadenas, perles, rubans, chaînes
180 × 170 cm chacune

L'œuvre a été pensée par Ash Love pour accueillir et rassembler dans l'espace public des multitudes de rêves anonymes. Cinq grilles en forme de cœur portent les talismans créés par l'artiste et par les habitants·es. En hauteur, quatre cœurs alignés forment une phrase, un texto que l'on pourrait envoyer. Et comme s'il s'était échappé, un dernier cœur reste accessible pour continuer à y accrocher de nouveaux porte-bonheurs.

Le motif de la grille est à la fois un emprunt au paysage urbain, un écho au treillis de jardin sur lequel les fleurs viennent s'appuyer pour grandir, une représentation du principe de la norme qui segmente et enferme, et une allusion au réseau d'eau souterrain qui maille le territoire et témoigne du passé de marais du Tasta. Ash Love est venu·x tordre cette trame stricte, droite et impersonnelle par un tressage, et la perturber avec une multitude d'objets et de couleurs, tous différents, tous portant un message intime et invisible. Car ici, les porte-bonheurs sont apparents, exposés, mais le vœu qu'ils renferment reste secret, propriété de celui·lle qui l'a formulé. L'eau qui irrigue le quartier reste elle aussi invisible.

Comme les breloques d'un bracelet, l'œuvre rassemble des formes aux implications infinies : le cœur, le trèfle, l'étoile, la clé. Allégories universelles de l'amour, de la chance, de la magie et du secret, elles portent aussi des histoires communes ou personnelles. La clé est une référence à celle de Sainte Quitterie, qui avait le pouvoir de guérir les malades de la rage, emblème de la ville de Bruges ; elle évoque aussi le cadenas, et plus particulièrement ceux accrochés pour symboliser un amour. Le cœur résonne à plusieurs niveaux : dans le choix de la date d'inauguration, le 14 février, ou dans le titre évoquant une chanson de Nâdiya.

Avec cette œuvre, Ash Love propose un travail autour du geste de nouer un vœu, présent dans de nombreuses traditions païennes et populaires — pour fêter la vie ou la mort, célébrer ou se souvenir, déposer un message ou sceller une promesse d'amour. L'installation offre ainsi un espace d'amour et de soin dans l'espace public.

Il en faut, de la tendresse, pour choisir la confiance comme matière première et travailler le lien. Plutôt que de verrouiller le cadenas par un clic brutal, les mots sont tressés de soie dans la douceur du geste et le temps long, celui du soin, qu'il faut prendre pour renforcer les nœuds.
— Extrait du texte commandé à Mathilde Leïchlé (collaboration avec Jeunes critiques d'art)

Karinka est attachée à l'idée de s'ancrer dans le paysage, pas seulement de façon figurée, mais bien d'incorporer son travail dans la terre, les parquets, les alcôves, les grottes, les murs ou les arbres, de les fondre dans les espaces qui lui sont proposés. Lors de notre premier échange, Karinka m'a fait part de son intérêt pour la nécessité de recréer un lien entre l'individu et le territoire — la planète en général. En s'inspirant des réflexions d'Augustin Berque, elle cherche à solliciter la volonté des visiteur·euses de se « reterrestrer », faire acte de présence finalement, dans la signification la plus littérale qu'il puisse être.
— Extrait du texte commandé à Adèle Anstett (collaboration avec Jeunes critiques d'art)

Barbara le sait, ses œuvres sont soumises au temps. Elles souffriront du soleil et de la pluie. Les peaux se déferont sûrement, glisseront, le bois pourrira. La soie s'abîmera, la teinture s'estompera, le paysage se brouillera davantage avant de s'effacer. Doucement elles disparaîtront, avalées par la terre ou par l'eau. Alors à nouveau, subsistera le souvenir, le récit, la légende.
— Extrait du texte commandé à Tania Hautin-Trémolières (collaboration avec Jeunes critiques d'art)

Comme un dimanche au fleuve

Ensemble de 20 peintures
Peinture acrylique sur store déroulant,
10 stores : 200 × 140 cm chacun

Cassandre Cecchella a collecté auprès des habitants·es des photographies évoquant des retrouvailles entre amis·es ou en famille, autour d'un repas ou d'une activité en plein air. Elle y a emprunté des détails, des scènes, des visages ou la manière dont l'image est composée pour en faire des peintures. Comme un dimanche au fleuve est ainsi une mise en scène des habitants·es de Bassens, une projection de ce que pourrait être un dimanche au bord de la Garonne. On découvre des personnes en train de jouer dans l'eau, de plonger, de bronzer ou se promenant, chien en laisse, enfants sur les épaules.

Sur un fond bleu vibrant, couleur qui se distingue dans le paysage tout en s'équilibrant avec la dominante verte de l'environnement, les scènes peintes sont autant de clins d'œil à la peinture impressionniste, et en particulier à Georges Seurat.

Les peintures ont été réalisées sur des stores déroulants : elles s'ouvrent et se referment, permettant à qui le souhaite de recadrer l'image et de créer, à l'infini, de nouveaux paysages. Disposées sur des structures qui évoquent presque une architecture, l'installation devient un théâtre, une illusion, à mi-chemin entre les stores que l'on baisse pour préserver l'intimité d'un intérieur et les rideaux que l'on lève au début d'une représentation.

Ces protocoles auxquels Cassandre Cecchella se soumet viennent contraindre son corps, imposent un cadre, prescrivent un rythme. Ils la font presque basculer du travail de peintre à celui de performeuse. Car chez Cassandre Cecchella il n'est pas seulement question de peinture, il est nécessaire que se confrontent à elle l'environnement, l'adrénaline et parfois l'ennui. À Bassens, s'est jouée une chorégraphie ou une grande pièce de théâtre dans laquelle se mouvaient autour de l'artiste les habitant·es de Bassens et leurs souvenirs. Enfin, si l'artiste s'est ainsi mise à la disposition des habitant·es, elle les a aussi contraint·es à une implication certaine. Ses peintures, les déroulantes, ont été réalisées sur des stores. Si bien que pour y avoir accès, il faut s'emparer de la toile puis la faire glisser pour qu'enfin apparaissent les souvenirs que les Bassenais et Bassenaises ont souhaité y projeter.
— Extrait du texte commandé à Camille Bardin (collaboration avec Jeunes critiques d'art)

Hugo s’est fait le passeur d’une mythologie oubliée, d’une histoire endormie sous les édifices de la ville. Il a voulu réveiller tout le potentiel magique que le quotidien nous mène à ignorer. L’espace d’une année, le temps s’est ici effondré sur lui-même. Partout s’ouvrent des brèches entre les mondes. Régulièrement des objets surgissent dans l’espace public, s’attardent un temps : des apparitions. Pour qui prend le temps de regarder, elles sont signes et présages d’un événement en train de survenir. Hugo nous rend vigilant-es aux symboles magiques et aux sigils. 
Malgré les flammes et l’obscurité, Hugo ne dit pas les symptômes et les menaces d’un monde qui s’écroule, il nous indique les signes d’espérance.
— Extrait du texte commandé à Samy Lagrange (collaboration avec Jeunes critiques d'art)

Le programme de médiation s'est déployé après l'apparition des premières œuvres, afin de préserver le mystère souhaité par Hugo Durante et de stimuler l'imagination de toutes et tous. Conçu comme un parcours évolutif, ponctué de temps forts lors de l'apparition de chaque nouvelle pièce, il a mêlé balades contées, ateliers d'illustration et d'écriture, rencontres avec l'artiste et explorations du territoire.

Lors d'ateliers, les habitants·es étaient invités·es à imaginer des légendes ou des fragments de légendes, à partir des œuvres et du patrimoine du Taillan-Médoc. Un personnage, la trame d'une action, un décor : les récits se sont formés sous différents aspects, à la manière de cadavres exquis, les éléments des uns·es s'intégrant parfois à ceux des autres, des histoires parallèles finissant par se rejoindre en un grand final.

Ces débuts de légendes ont été nourris de vraies histoires partagées lors de visites à deux voix, alliant art et patrimoine, et de rencontres avec des résidents·es de l'EHPAD La Boétie. Quelques soirs, des visites contées ont relié les légendes nées au Taillan-Médoc, sous l'impulsion d'Hugo Durante ou des habitants·es, à des mythes d'ailleurs.

Ainsi sont nés de nouveaux récits, inventés à plusieurs, qui continuent à se partager de bouche à oreilles, après le départ des œuvres.

Le temps long cesse ainsi d’être une simple durée : il devient une modalité de l’action publique, attentive aux relations que l’art est capable de tisser entre les artistes, les institutions, les lieux où elles prennent place et ceux et celles qui l'habitent. Car si les œuvres finissent par s’effacer du paysage, demeure la trace partagée d’un geste, d’une présence, d’un dialogue noué entre l’art et la vie. 

— Barbara Dieuzayde, extrait de "Prismes, à l'épreuve du temps long". Texte à lire dans son intégralité dans le catalogue du projet.

La médiation, un espace de création à part entière

Pour BAM projects, la médiation culturelle est une démarche de création à part entière et un pilier des projets. Elle permet d'inventer de nouvelles façons d'entrer en relation avec la création contemporaine et ouvre des espaces de coopération, d'expérience partagée et d'émancipation pour toutes et tous.

Un ancrage citoyen dès le départ

Dans Prismes, chaque projet a commencé avec la mise en place d'un jury citoyen composé d'habitants·es, de structures locales et d'élus·es, chargé d'inviter un·e artiste pour une résidence d'un an sur son territoire. Ce jury est le premier espace de rencontre entre la création contemporaine et les habitants·es, et cela avant même l'arrivée de l'artiste.

Une présence sur le territoire

À l'arrivée des artistes et des médiatrices, s'est amorcée une phase d'écoute, d'observation et d'immersion attentive aux structures existantes, aux rythmes de vie, aux paysages et aux histoires qui traversent le territoire. Les échanges commencent souvent autour d'un café, d'une conversation improvisée, d'une visite ou d'un marché. Ces moments, en apparence ordinaires, sont essentiels : ils permettent d'instaurer la confiance et de faire émerger les récits qui nourriront les actions à venir.

Une diversité de formes

De cette attention est née une grande diversité d'actions : ateliers de pratique, explorations sensibles, créations collectives, collectes de mémoires, lectures de contes, dispositifs participatifs, livrets-jeux, restitutions dans l'espace public. Autant d'expériences qui ont ouvert des espaces de dialogue entre les artistes et les publics, mais aussi entre les habitants·es elleux-mêmes.

Un travail dans la durée

Il n'existe pas de programme de médiation reproductible. Plusieurs programmes ont été construits sur plusieurs mois avec des publics spécifiques. Travailler dans la durée, accompagner un groupe, laisser le temps aux relations de se construire : cette approche contribue à l'ADN de BAM projects.